Centrifugato leggero di pop metrosessuale ed istinto sessuale adolescenziale

di Daniele Catena

Gli  anni ’90 hanno reso gay una generazione intera. Insomma, le SPICE GIRLS, BRITNEY SPEARS, “RAY OF LIGHT” di MADONNA. Il decennio del 2000 ha creato un esercito di depresso-sessuali ed introversi che poi sono sfociati in Emo, Scene Queen e tutta quella serie di ragazzini con il ciuffo. Non si sarebbe potuto chiedere di meglio negli anni del così intimista “BROKEBACK MOUNTAIN”, della reunion delle SPICE GIRLS e l’era di BERLUSCONI.

E gli anni ’80? SCILTIAN GASTALDI ne è sicuro. Quello è stato il decennio che ha trasformato gran parte di una generazione in “metrosessuali”. MIGUEL BOSE’, LAMU’, “IL TEMPO DELLE MELE”, “MAURICE” e non dimentichiamo VIOLA VALENTINO. Non c’è una speranza al mondo che un bambino cresciuto nel mezzo di tutta questa cultura pop possa non scoprirsi bisessuale.

Queste icone, feticci sessuali, ricordi d’infanzia ed anche un po’ di traumi sono contenuti in “TUTTA COLPA DI MIGUEL BOSE’”, ultimo romanzo di SCILTIAN GASTALDI , già autore di “ANGELI DA UN’ALA SOLTANTO” e “COPPIE”, finalista al Premio Tondelli 2009.

È la storia di Evandro Chiericato, che cresce metrosessuale in una famiglia che è a metà tra il fascio ed il camp. Dalle prime scoperte innocenti, a quelle sessuali, fino alle scelte di vita un po’ estreme, Evandro ci lascia vivere la sua vita senza negarci i dettagli innocenti che potrebbero renderlo un po’ tonto.

“TUTTA COLPA DI MIGUEL BOSE’” è un libro leggero, ma senza essere stupido.  Come lo stesso autore dice, la struttura del romanzo vuole rispecchiare un po’ quella leggerezza di Calvino, che tra le citazioni dotte vorrebbe venissero infilati gli argomenti apparentemente più banali. Ed è così che tra un resoconto politico ed una descrizione sociale degli anni ’80 (e poi ’90), Gastaldi ci racconta di quelle esperienze sessuali irresistibili, sempre tra l’amore ed il baratro.

Un libro che si legge volentieri; che anche se non ti fa comprendere la strada che è stata intrapresa, alla fine non ti lascia solo pieno di risate e momenti euforici, ma ti avvolge anche di domande. Un romanzo che anche se ti accoglie con il suo titolo un po’ strano e la copertina ultra colorata, alla fine non ti delude neanche per un istante.

Un JAMES BLUNT rinnovato e, finalmente, felice.

di Daniele Catena

Torna JAMES BLUNT con il nuovo album SOME KIND OF TROUBLE. Il terzo album di Blunt, preceduto dal singolo STAY THE NIGHT segna un nuovo arrivo per l’artista che propone finalmente un insieme di pezzi positivi e pieni di argento vivo.  ALL THE LOST SOULS, ed il primo, BACK TO BEDLAM sono stati due album di successo ma rigati da un senso di malinconia e tristezza presente in tutti i brani.

Questo nuovo lavoro è, invece, l’opposto. «Racchiude un po’ dell’atmosfera dei primi anni ’80», dice lo stesso JAMES BLUNT. «In Occidente c’era questa percezione diffusa di poter fare qualsiasi cosa, il tipo di ottimismo che sentiamo da ragazzi. SOME KIND OF TROUBLE cattura questi sentimenti, la sensazione di libertà, l’eccitazione e la semplicità.»

Anche un brano come NO TEARS, colmo della tristezza di un passato complicato, diventa una bellissima ballata positiva che tira le somme sulla propria vita per poter permetterci di partire un’altra volta ancora. No tears , for the life that you’ve led, you’ve had angels in your head? Did you hear them singing in the end? All the things that you’ve seen. All the things that could have been. Well I’ve been everything I want to be. So no tears, no tears for me.

SOME KIND OF TROUBLE non rinnega gli album precedenti, ma ci regala la possibilità di vedere un nuovo Blunt che «dopo un po’ di giri sulle montagne russe, ora torna a casa», come lui stesso dice. E  STAY THE NIGHT è l’emblema di questo lavoro.

Un brano allegro, scanzonato, leggero. Una canzone che più che parlare di situazioni, parla di sensazioni. And if this is what we’ve got, then what we got is gold. E JAMES BLUNT ha dell’oro tra le mani e questa volta lo condivide con noi, che insieme a lui, torniamo a casa.

SOME KIND OF TROUBLE è in vendita dal 9 novembre ’10

Per maggiori informazioni visitate il sito internet ufficiale http://www.jamesblunt.com

Clicca qui per vedere il video di STAY THE NIGHT

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L’intervista a ROBERTO RUSPOLI per carpire i segreti della cena perfetta

di Daniele Catena

CORTESIE PER GLI OSPITI è un programma cult del canale REAL TIME. Uno chef, ALESSANDRO BORGHESE, l’esperto di stile ROBERTO RUSPOLI e l’interior designer MARINA SAGONA, vengono invitati nelle case degli italiani per vedere come questi se la cavano con l’organizzazione della cena perfetta. Ma quest’anno la trasmissione cambia completamente rotta trasferendosi a NY. CORTESIE PER GLI OSPITI NY ci farà entrare nelle case dei connazionali per capire cosa cambia in una cena quando gli italiani banchettano all’estero.

Abbiamo intervistato l’esperto di life style ROBERTO RUSPOLI per farci raccontare i segreti di una cena perfetta.

CORTESIE PER GLI OSPITI è una delle trasmissioni di punta del canale. Poter avere la possibilità di partecipare, anche solo attraverso la televisione, a tutte le vostre cene è qualcosa che appaga la nostra voglia di curiosità e critica senza l’imbarazzo di ritrovarsi a tavola con degli sconosciuti cercando di riempire i silenzi imbarazzanti. Qual è, secondo lei, il punto di forza di CORTESIE PER GLI OSPITI?

Credo che il punto di forza di CORTESIE PER GLI OSPITI consista nell’unire insieme una serie di argomenti diversi come cucina, architettura e stile in un’unica formula. Questo appaga sicuramente un certo spirito voyeuristico ma offre anche diverse voci su una circostanza legata alla vita quotidiana di tutti: un invito a cena, la sua organizzazione, le sue conseguenze.

Quali sono le regole fondamentali che deve seguire chi decide di organizzare una cena? E quali sono gli argomenti di cui si può parlare e quelli che, invece, si deve evitare ad ogni costo?

Le regole da seguire non sono rigide e standardizzate ma variano a seconda della circostanza e del contesto. Ad ogni modo in contesti formali si predilige la leggerezza (ne allevia lo strazio) perciò sarebbe meglio non parlare di cose che possono scatenare polemiche come ad esempio la politica.
Bisognerebbe trovare una misura tra il tedio del lecito e l’insostenibilità dell’illecito (sempre formalmente parlando). La performance più impegnativa è ovviamente di chi ospita: dovrà seguire i bisogni dei suoi invitati con attenzione e disinvoltura;  fare in modo che ognuno trovi il suo spazio nelle conversazioni, assicurarsi che il cibo che serve offra una scelta che non metta in difficoltà nessuno per ragioni culturali o di salute.

Una curiosità personale, da quando è nata CORTESIE PER GLI OSPITI a quante cene lei ed i suoi colleghi avete partecipato?

A dire il vero non le ho mai contate ma devono essere tantissime! Sicuramente più di cento.

Con lo spostamento della location a NY molti dei costumi prettamente italiani potrebbero essere completamente differenti. Che cosa cambia quando da Roma ci si trova a cenare in un appartamento con vista Central Park?

Cosa cambia con Vista Central Park? A parte la vista e lo stato d’animo non molto, in alcuni casi si rafforza il senso di appartenenza alla propria cultura in una dimensione che ospita le culture di tutto il mondo. Se in
Italia questo viene preso per scontato, all’estero produce un senso di appartenenza.

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Il Luglio del 1980 fu una delle estati più difficili dell’Italia. Era l’estate tra  il 27 giugno ed il 2 agosto, ovvero le stragi di Ustica e Bologna. In questo clima instabile, fatto di intrighi politici ed incertezza  sociale, Martino si ritrova in un mondo pacifico, quasi ideale fatto di mare e di surf.

L’ESTATE DI MARTINO, film di MASSIMO NATALE , è la storia di due mondi che si incrociano. Quello dell’odio, della paura del terrorismo, e dell’innocenza di due persone legate dalla passione per il surf. Ustica e Bologna sono gli episodi di sfondo dell’incontro tra Martino (LUIGI CIARDO) e il capitano Clark (TREAT WILLIAMS) e Silvia (MATILDE MAGGIO), amata da Martino ma fidanzata con suo fratello.

Una spiaggia pugliese diventa il palcoscenico nascosto e protetto per questi personaggi. Una rete di metallo impedisce al mondo di accedere a questo lembo di terra sul mare, e Martino, Clark e Silvia, si liberano dei loro gusci e si sentono liberi di essere semplici e reali.

Silvia comprende che la sua vita non è vissuta bene accanto al suo fidanzato, il capitano Clark cancella il suo orgoglio e decide ti tornare a Washington per incontrare il figlio, e Martino capisce che se vuole ottenere qualcosa deve solo lavorare per poterla fare sua.

La tavola da surf e questo sport apparentemente poco italiano, trovano in Puglia il migliore spazio per poterlo praticare. In acqua ci sono solo Martino, Clark, le tavole e le onde, e tutto ciò che rimane oltre il recinto non è un loro problema.

L’ESTATE DI MARTINO è un film strano. Forse, e fortunatamente, poco italiano. Mantiene la costante presenza dei problemi sociali del “Luglio 80” ma non li affronta volutamente. Di bello c’è che viene mostrato uno sport positivo come il surf, che diventa un bellissimo racconto del saper imparare a vivere e contare su se stessi, malgrado i problemi e malgrado gli impedimenti. La strage di Ustica c’era appena stata e Bologna era alle porte, ma alla fine della storia ciò che rimane non è altro che un bambino e la sua tavola da surf, nel mezzo di un mare che solo quando è in tempesta ti fa sentire di essere vivo.

di Daniele Catena

THE KIDS ARE ALL RIGHT , film di LISA CHOLODENKO e con JULIANNE MOORE ed ANNETTE BENING, viene presentato al Festival Internazionale del Film di Roma in una giornata campale per la lotta dei diritti gay in Italia.

Nic e Jules ed i due loro figli adolescenti, Joni e Laser,   sono sposate felicemente in una California pre-Proposition 8. Le due “Moms” hanno cresciuto i loro figli e sono riuscite a creare una famiglia felice come è sempre più raro trovarne. Ma quando Joni si prepara ad andarsene per frequentare il college, il fratello quindicenne Laser la convince a fargli un grande favore: vuole che Joni, ora diciottenne, lo aiuti a rintracciare il loro padre biologico; i due adolescenti sono stati concepiti infatti grazie all’inseminazione artificiale.

Quando Paul (MARK RUFFALO), il padre, entra nella quotidianità della famiglia tutti gli equilibri cominciano ad essere incerti.

THE KIDS ARE ALL RIGHT non è un film gay come in molti si aspettavano di vedere. Semplicemente è il racconto della vita di due donne nel pieno della crisi di mezza età. Quasi utopica, l’esistenza di Nic e Jules scorre in modo naturale e semplice, con tutti i problemi che qualsiasi coppia si trova ad affrontare.

Le” Mums” potrebbero essere  senza problemi una coppia etero- genitoriale e non apportare nessun cambiamento alla trama poiché l’orientamento sessuale delle due mamme viene vissuto come uno qualsiasi dei dettagli che riempiono la nostra vita.  

Ed nell’assoluta semplicità di questa storia, Silvio Berlusconi sferra un attacco contro la comunità LGBT. «Quello che ho fatto è stato per bontà (riferendosi al caso della giovane marocchina n.d.r.), poi se a volte mi capita di guardare una bella ragazza… meglio essere appassionato di belle ragazze che essere gay.»

Strana coincidenza che sembra riportarci indietro di un anno quando il film FRATELLANZA-BROTHERHOOD (dramma sull’essere gay e fascisti) fu presentato al Festival in uno dei periodi peggiori che la comunità LGBT abbia mai vissuto in Italia. Ma se in questo caso c’era un’affinità tra le due vicende, con THE KIDS ARE ALL RIGHT possiamo solo notare come le tendenze omofobiche del nostro paese siano in contrasto con l’idea di una “diversità” integrata.

La stessa JULIANNE MOORE ha commentato le parole di Berlusconi.  «Penso che una frase del genere sia un peccato, ed è qualcosa di arcaico e idiota. Viviamo in un’epoca in cui cose del genere contano poco e poi ci sono stati nella storia tanti grandi personaggi omosessuali. Insomma, un’espressione arcaica, infelice e imbarazzante.»

Ancora un esempio di come il cinema sia un mezzo importante per la lotta sociale e specchio di quello che è già “realtà” ma che in molti ancora non conoscono. TEH KIDS ARE ALL RIGHT è una semplice commedia sulla famiglia, l’evoluzione di una coppia ed il tradimento, ma alla luce del mondo contemporaneo, non sempre perfetto come in questo film, tutta quella normalità ritrovata diventa nuovamente un miraggio lontano da raggiungere.

AARON ECKHART e la sua Capacità di Comunicare\Amare

di Daniele Catena

Comunicare e quindi amare. La vita espressa carpita da YouTube ed Internet. CARPET PILLS ruba quel pensiero di AARON ECKHART che passa dall’idea di esprimersi in rete alla necessità di amare chi ci è accanto.

Drink consigliato per buttare giù la pillola: Un tazza calda di caffè americano
Colonna sonora: The Social Network Soundtrack  - Hand Covers Bruise

AARON ECKHART:  « La vita è espressione. Ognuno vuole avere la possibilità di dire qualcosa e pensare a come dirlo. Internet è il modo che abbiamo per esprimerci intimamente. Lì non c’è nessuno che giudica quello che diciamo. Ed è la stessa cosa che fanno gli sms, Facebook e questi altri mezzi. In questo modo diciamo cose molto personali ed in un modo che non userebbe mai, per esempio, mentre siamo a tavola. Prima avevamo la possibilità di comunicare con il cinema o le arti. Mentre ora è internet il nostro mezzo. Io ho 42 anni, non sono un vecchio, ma non sono più giovane. Sento che questa cosa mi sta passando accanto e tutto questo comunicare mi fa pensare che non siamo soli e la cosa più importante è amarci a vicenda. »

DYLAN DOG, a “Midnight Invasion”

di Daniele Catena

Il Festival Internazionale del Film di Roma, con l’avvicinarsi di Halloween, ha sempre organizzato delle proiezioni speciali a tema con film di culto o grandi attese. Se l’apice è stato raggiunto con il memorabile BLACK CARPET per LA TERZA MADRE di DARIO ARFGENTO, quest’anno tutta l’attenzione era puntata verso la presentazione, a mezzanotte, dei primi venti minuti di DYLAN DOG in assoluta anteprima mondiale.

DYLAN DOG è l’investigatore del soprannaturale creato da Tiziano Sclavi nel 1986 e diventato il secondo fumetto più venduto in Italia dopo Topolino.  BRANDON RUTH (SUPERMAN RETURNS) è un Dylan Dog scanzonato e impavido che, stufo di zombie e vampiri, ha scelto di andare in pensione anticipatamente. Ma il lavoro del detective del mistero non è davvero mai finito e sarà costretto a tornare in azione per decifrare le iscrizioni ritrovate su un antico manufatto che ha il potere di annientare l’umanità.

La trama è completamente differente dall’originale. Dylan Dog perde il suo fascino riproponendosi come un muscoloso investigatore di New Orleans. Rimangono le ambientazioni e l’umorismo ma tutto sembra radicalmente differente. Per gli italiani che pensano a questo fumetto come qualcosa di intoccabile, è un duro colpo vedere questi primi venti minuti in cui sembra che le uniche cose in comune tra i due prodotti siano solamente il colore della camicia di Dylan e la giacca nera.

Forse 20 minuti non erano abbastanza per farci abituare a tutte le piccole sfumature differenti, o forse non si sentiva la necessità di riproporre una storia così importante (e funzionante) per poi modificarla e renderla differente.

DYLAN DOG uscirà nelle sale italiane il 18 marzo del 2010, rendendo l’Italia il primo paese al mondo in cui il film verrà distribuito. Senza essere troppo distruttivi forse è meglio cancellare dalla memoria questa anteprima ed attendere qualche altro mese.

E per quanto riguarda Halloween non resta che sperare che il prossimo anno l’organizzazione del Festival Internazionale del Film di Roma abbia idee migliori e meno deludenti di questo DYLAN DOG.

NICOLE KIDMAN e AARON ECKHART in RABBIT HOLE

di Daniele Catena

RABBIT HOLE viene presentato al Festival Internazionale del Film di Roma. Le attese per questo film sono state alte come ogni titolo che vede la partecipazione di NICOLE KIDMAN, questa volta anche nel ruolo di produttrice.

Becca e Howie Corbett (NICOLE KIDMAN e AARON ECKHART) tornano alla loro

esistenza quotidiana all’indomani di una perdita improvvisa e scioccante. Soltanto otto mesi

prima erano una felice famiglia di provincia, a cui non mancava nulla. Ora sono intrappolati in

un labirinto di ricordi, desideri, sensi di colpa, recriminazioni, sarcasmo e rabbia controllata, da

cui sembrano incapaci di fuggire. Nulla della loro vecchia vita resta uguale, né il bucato, né i

brani di Al Green allo stereo, nemmeno il loro cane ma gli equilibri della coppia sono ancora tutti da creare.

RABBIT HOLE è diretto da JOHN CAMERON MITCHELL, conosciuto per le sue commedie,

 ed è tratto dall’acclamata pièce teatrale del drammaturgo David Lindsay-Abaire, vincitore del premio Pulitzer.

L’influenza teatrale del film la si nota facilmente. È quasi un continuo dialogo a due tra Becca ed Howie. È una danza tra il dolore, il ricordo e la voglia di vita che non si risolve mai in modo lineare e semplice.

Aaron Eckhart, a Roma per la presentazione del film ha affermato che  ciò che “interessava era che Howie e Becca cercano di salvare un rapporto che una volta era allegro, divertente e tenero, ma ora tutto è cambiato. La loro è una bella storia che vale la pena raccontare, una storia che avrà risonanza in molte persone, in tutti coloro che hanno provato la confusione, il lutto, le pressioni familiari, le difficoltà coniugali, tutti problemi che ciascuno deve affrontare quotidianamente. Ma ancora maggiormente ho creduto nel film per la sua capacità di catturare non solo il dolore ma contemporaneamente i momenti divertenti ed amari.”

Un film importante, magistralmente interpretato e diretto che però lascia la sensazione che qualcosa manchi. Tutta l’intensità degli sguardi, e dei pianti, talvolta sembra fine a se stessa trasmettendo un senso di vuoto inspiegabile. Ma tra l’accentuare tutte le turbe che la perdita di un figlio possa causare, ed il lavorare per sottrazione, sicuramente preferiamo il secondo.

MARGHERITA BUY e SILVIO ORLANDO, chiacchierando sul divano

di Daniele Catena

Baci, sputi, cerotti ed ex-mariti. CARPET PILLS origlia la coppia MARGHERITA BUY / SILVIO ORLANDO, affiatati in un salotto romano pieno di ricordi ed emozioni.

Drink consigliato per buttare giù la pillola: Margarita

Colonna sonora: Randy Newman – You’ve got a friend in me

 SILVIO ORLANDO: «Lei era la protagonista assoluta del film e io facevo una piccola e trascurabile parte. Col sadismo tipico di registi come Luchetti, decisero di avvicinarci subito nella scena del bacio, cosa che è risaputo a lei non vada a genio, con me poi ancora meno! La scena era di notte, sulla terrazza di un grattacielo di Rimini e lei ebbe una reazione terribile, sputava in continuazione.»

MARGHERITA BUY: (ride per tutto il tempo) «La seconda volta lui aveva l’herpes! Quella volta ho messo anche lo scotch sulle labbra!»

SILVIO ORLANDO: «Lo sapete che fece? Posò il cellulare sul comodino sperando che il compagno di allora, Sergio Rubini, la salvasse in tempo. Pensai che per fortuna, al film successivo, avrei avuto al mio fianco Francesca Neri.»

L’italianità, lo stile e la rivoluzione de LA DOLCE VITA. CARPET PILLS ascolta MARTIN SCORSESE parlare del grande capolavoro di Fellini e propone questa pillola sperando che crei dipendenza.

Drink consigliato per buttare giù la pillola:  Martini
Colonna sonora: Stacy “Fergie” Ferguson “Be Italian” Nine

MARTIN SCORSESE: «Io penso che ci sia un prima e un dopo LA DOLCE VITA, che è stato un film rivoluzionario. Un film che ha rotto le regole di narrativa e ha spronato la società americana ad essere più onesta sullo schermo. Negli anni 50’ e 60’ ci sono stati molti film considerati epici o stellari, come BEN HUR, SPARTACUS o IL GIRO DEL MONDO IN 80 GIORNI, ma nessuno è arrivato al livello di intensità, intelligenza e maturità de LA DOLCE VITA.Quando vedi un film di Fellini è come essere di fronte ad un’opera d’arte di Michelangelo o di Caravaggio. Ogni sequenza del film si avvicina sempre più ad un affresco. Inoltre la scoperta dei classici è importante per creare un senso di continuità per le generazioni future. Senza passato non c’è futuro. Ecco perché cerco di indirizzare i giovani filmakers verso il cinema che mi ha ispirato.
Il personaggio interpretato da Mastroianni è il mio preferito per il suo fascino e il suo sguardo alla fine del film che può essere interpretato in diverse maniere. Fellini, in un certo qual senso, con i suoi grandi personaggi ha ispirato il caos dei personaggi che ho posto al centro di film come CASINO’ e anche in un certo senso di BOARDWALK EMPIRE (che verrà presentato al Festival Internazionale del Film di Roma n.d.r.).»